剧照
详细剧情
长篇影评
1 ) 第三人称的真切
没有直接的人物对话，有的只是第三方视角的旁白和跨越时空与空间的对话，但却十分真切 万分真实。 妈妈留着孩子们的童年，爸爸用放大镜陪伴着孩子们的成长，孩子们像鸟儿一样自由成长，终于他们要远去，父母与孩子的关系，就是逐步走向分离，父母终究要和这个世界一起分享孩子。 “妈妈，你去哪里了？你走了十五年” “不，我没有走，我一直在，只是那个事情我没想到要那么久” “妈妈，我的身体已经不太适应，有点尴尬” 一片片掉落的叶子 一块块脱落的树皮 一丛丛枯落的苔藓 一双手 让他们回到了过去 犹如当年的青葱与生机，我喜欢这段设计，那双手是开头妈妈说的手“手在带领着我们，手是我们的主人”，最后这一幕定格在分开的大树，树杈上一抹红色的花簇，像妈妈的脸庞，像妈妈的的鲜活生命，更像是女人的阴道与流淌的鲜血，那是属于母亲独有的鲜艳和血色浪漫，那一刻 女孩与妈妈在一起，回到了妈妈的子宫里，回到了生命的源头。
妈妈种下一棵树，最后带着那棵树 一起上船驶向大海。
海马是雄性繁殖，海马从妈妈的耳畔，戴到了女儿的耳畔，女儿昂着头，双手为自己编辫子，头发尾捎用卡子卡住，那是自我的完整与抽脱。
父亲 母亲 女儿
死亡与生命
成全与重生
2 ) 飞鸟于母亲的眷恋，于天空中呼唤
我一直很喜欢这个简短且精巧的称呼
“mama”
帧帧无法用言语形容的美丽 吐露于叙述之间
感叹影像的魅力 揣测瞬息间的生命
母亲与树相拥 孩童终将成为鸟类
展翅高飞是件美好的事情
3 ) 有一种鸟叫受不鸟
有一种鸟和人一样会说话。但与人不一样的是，它不知道什么时候该说话什么时候不该说话。它传递意义的方式纯粹依靠模仿，而模仿则是受信号冲击产生的瞬间反应——所以它的意义的传递之间是跳跃的、无根的。这个现象叫做鹦鹉学舌。
当然，鹦鹉到底是怎么样的，会不会有属于其自身的思考方式，这些都只能留待后话。但显然这部片子是知道鸟类是有语言的。可惜的是，导演显然没有仔细思索过语言是什么。对她来说，意象与意象的拼凑跳接似乎就是语言了，或者说，语言就是语词的集合库。而她追求的就是这所有的静止并分离的语词的集合给倾倒出来。在这个意义上，她不明白什么是语词与语词之间被保持着的运动连续体，不明白是什么连接起了语词，不明白什么是沉默。而不懂沉默就不懂语言。不懂语言却强制自己开口，那就是鹦鹉学舌。
同样的，使导演着迷的似乎并不是海洋的整体性，而是其无限性；而植物在她的镜头和书写下，也失去了其「涌出」的特性。她着迷于树的「笔直」，着迷于使树与树在横面上被距离开来的轴线性。而歌德式的「植物变形」则被压抑或遗忘了。
这与她的「鸟类变形」的概念是一致的。实际上，在她笔下，鸟类根本不是变形，而是回归。整个变形的连续性是事后追溯时添加上的隐藏程序，而并非是直接展现。从以上证据可以推断，导演在绝大多数地方都是没有对连续性的要求的。
电影的文本间可以有断裂吗？当然是可以的。但当断裂的无限语词被倾倒而出时，整体性的消失就成为了必然。这也是影片中强烈的恋物癖倾向的来源：与其在意整体，不如在意被改造成整体的部分。至此，导演彻底地用镜头达成了现代工厂对自然的殖民：自然被改造为可操作的物的集合，而与手机、记忆芯片、挂件等人造物没有差别了。在这里，自然甚至不是标本。
语词跳接所生成的是瞬间的火花，也要在瞬间被保留。可导演对此却采取了截然相反的行动：首先，她压抑了时间和运动，而时间是「一瞬」的庇护所。只有在时间的包围中，一瞬才得以保持自身。此外，她对无限化个体的滥用使得一瞬的效果被过快地损耗挥霍。几乎在火焰还未开始燃烧时，就已经被熄灭；而导演结尾处所追求的那种「余烬」的状态，自然也不可能达成。
所以，这部电影完全不是塔可夫斯基式的。如果意识不到这一点，那观众对于电影和导演风格的感知力就是明显匮乏的。
而比起无法理解导演的观众，更可惜的是无法理解自己的导演。她到底是要拍一部工匠式的电影，还是一部工厂式的？每一个镜头对她来说是一个呕心沥血的挖掘过程，还是一个投机取巧的取得产品？她到底希望去描述一种连接，还是一种断裂？她到底应该如何表示距离，是镜子，还是海水？如果无法下定决心，并根据合适比例对这些元素进行混合，那她的作品只会自己反对自己：而这甚至不是一种好的反对，因为甚至连反对的姿态和勇气都无法被保持为一了。
就像鹦鹉可以说出意义完全相反的话。可是鹦鹉不在意这一点。我很在意。
4 ) 我愿称为一个加长版的艺术展展品
这该死的既视感，随便截一个片段放在艺术展里都毫无违和，并且能够算是高质量的作品。
如果真的是在美术馆里看的话，绝对能够安安静静看完并且从中获得某种感触。但是手机线上看就没了那个耐心，全程为了看画面而快进的。
毕竟这种表达太私人化了，内容是常人不易进入的家族记忆，还带有鸟、树之类的隐喻；呈现方式也和平常纪录片/电影不同，没有剪辑，基本固定镜头，大量置景摆拍，画面内容与叙述内容并非全程对应；很难一倍速认真看完全片，所以在此就不对内容进行评价了。
艺术、先锋、前卫、实验那味太冲了，上头。而且拍的也很好看，完全视觉享受，比一些重个人情感抽象化表达、轻构图审美的展品好看多了（没有说那些展品不好的意思），更易于接受和理解。
片中有个片段很喜欢，女生静止坐在钢琴边，手指不动，背景音却是一首跌宕起伏的钢琴曲。在全片大量的念白声中，这个片段仿佛是一个休止符，给人以奇妙的感受。
这个片子有很多利用镜子拍摄的镜头，觉得很妙。
再贴一些喜欢的截图～
5 ) 卡塔里娜·瓦斯康塞洛斯与虚构纪录片
原文发表于公众号concert press
鸟类变形记The Metamorphosis of Birds
是卡塔里娜·瓦斯康塞洛斯（ Catarina Vasconcelos）的第一部长片，入围了第70届柏林国际电影节遇见单元，获得了第68届圣塞巴斯蒂安国际电影节开放电影大奖，第22届台北电影节国际新导演竞赛评审团特别奖。
这部电影花了六年时间制作，用16mm胶卷拍摄，延续了她在2014年的硕士毕业作品《隐喻，或由内而外的悲伤》（Metaphor or Sadness Inside Out）的做法，她使用了物件、书信和录音去编织一个葡萄牙家庭的日常生活，用重现和虚构的方式去组建记忆，片中的所有角色都由生活中的本人担演。透过对已逝祖母的追寻，她剖开了家族的创伤，在个人和政治环境的巨大变化中去寻找生命的原初意义。
这是一部很难进入的片子，它以一个非常私人的视角去切入，打开它就像打开了一本家族回忆录，里面充满了繁复的细节，也充满了亲密与神秘。我连续看了两遍，仍然非常喜欢。它关于mother，也关于nature，关于生命更迭本身所带来的力量。
“鸟类变形记”这个名字来自于古时候人类对未知现象的猜想，他们认为鸟在迁徙之后会以另外一种形式返回，而这部片子以此来隐喻当一个家庭在经历了失去之后，他们将如何继续下去。就像生物会演进，我们的记忆，甚至讲述记忆的方式也处在不断的重建过程中，它们不乏拼接、填充和虚构，但也充满了真切和温柔。家族史由此编入了更广阔的集体记忆里。在电影开始展映之前，它先进行了一次家庭放映，导演卡塔里娜的一个叔叔说，有些事情并不如片中所讲述的这样，但或许也就是这样叭。(毛）
本文翻译自Variety在2020年Ji.hlava国际纪录片电影节期间的采访
你在2014年拍摄的短片和这部长片都与你的家庭有深刻的连接
没错。我在伦敦上学的时候，正好也是葡萄牙爆发经济危机的时候。在那个非常艰难的时期里，很多人都遭受了巨大的苦难，这使我想更多地了解我的国家、我的家人。这不是怀旧，也不像我们在葡萄牙语中说的“ saudade”，我可能因为这种情况，以及自1974年革命以来我的国家捍卫的价值观受到威胁这一事实感到气恼。但具有讽刺意味的是，这使我更加了解它了。不过首先，我想了解我自己的家庭，以了解我是谁。
你在哪里拍摄这部电影，它的虚构成分有多少？
几乎所有的东西都属于重现。我希望在故事原本发生的地方拍摄，也希望我的家人作为他们自己本身参与进来。在电影的开头，我原本想在我的祖父母家拍摄，但是它在片子的制作期间就被卖掉了，所以我们只能选择别的地方。我们还在我祖父使用过的一艘在Sagres建造的训练船上拍摄，经过我们的改装，它看起来就像是一艘1960年代的船。而所有的室外场景都是在葡萄牙中心的埃斯特雷拉山脉（Serra da Estrela）拍摄的。
这部电影的构思是怎么产生的？
当我2014年返回葡萄牙的时候，我的父亲和我提起了一张黑胶碟片，这张碟片是1957年用祖母Beatriz的声音录制的。我很惊讶，这是我第一次听到她的声音。我开始与父亲和叔叔们谈论他们的母亲。这使我对我的家人更神秘的一面产生了兴趣，但之前它们被藏在一个隐秘的空间里，并没有人谈论到。
这部电影是否提供了一个展现当时葡萄牙女性生活的视角？
这绝对是核心主题之一。我的祖母有六个孩子，而祖父一年中大部分时间都在海上度过。因此，祖母其实成为了一家之主。她还与自然，与植物和鸟类有着特殊的关系，我想在电影中探讨这一点。这部电影分为两个部分，分别是1984年她去世前和之后的时期。但是，尽管第一部分是按时间线去呈现的，第二部分却没有遵循这样的顺序，它本质上是非线性的，是一种与感知和想象更相关的逻辑。如何面对失去母亲这个现实是这部电影的关键部分，因为父亲在36岁时失去了他的母亲，而我是在2003年经历了母亲的去世，那时候我17岁。某种程度上我们都是半个孤儿。通过理解父亲如何面对这样状态，使我更好地理解了自己的失落感，也使我们更加靠近彼此。
片名的灵感是什么？
我的祖父称他的一个孩子为小鸟，而对于我的祖母来说，她的所有孩子都是她无法控制的鸟儿，相对于大地，他们是更加明亮和轻盈的存在。片中还有几处提到了鸟，例如，有一场戏出现了一只死去的鸟儿。而变形这个概念，则与我父亲的角色如何转变成我有关。
关于这部电影还有其他的灵感吗？
我的灵感之一是1972年出版的《新葡萄牙书信》（New Portuguese Letters），该书是由 Maria Teresa Horta, Maria、Maria Isabel Barreno以及Maria Velho da Costa撰写的信件、散文和诗歌编辑而成。这本书在葡萄牙1974年革命前两年出版，女权主义运动在这个国家踏出的关键性第一步。通过我的电影，还有通过我的祖母、我的母亲和我自己的故事，我想探索葡萄牙女性过去是什么样子的，现在是什么样子的。在有些方面，我们已经取得了很大进步，但在有些方面则没有。
在电影中我们听到的黑胶录音是你祖母的声音吗？
没错，在电影的最后，为了纪念她的真实存在。在整部电影中，我们所听到的情书都是由她的孙子们阅读的。其中也有旁白，来自于我自己、我的父亲，还有所有关系密切的家人。这部电影拥有非常强烈的家族印记。
©️ 图片均来自网络
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美术馆影像
家族记忆，家庭故事，也不一定要拍成访谈录，拍成琐碎日常，拍成这一种就高级多了。
太喜欢了，值得8.2以上的分数，所以给4+1星。另外北影节8.30大悦城场9排12座的女士，从头屏摄到尾真没必要哈，盗摄9张文艺电影的图发朋友圈并不会让你本人变得文艺。
看哭两次：一次是结尾划船的镜头，一次是女儿再一次带上海马耳饰的镜头。这是一部无法言说，只能意会的电影。
万物静默如谜。宁静、神秘，又浓烈、隽永。关于隐藏在万物中的母亲，关于在大海中不停漂流思念着的父亲。我们如何像鸟一样对抗地心引力，对抗不可阻抗的时间。又如何拥有像海马一般脆弱、美丽，跨越山海的记忆与爱。诗意的旁白与静美的画面，诉说着看不见的心灵伤痕，就像镌刻在天空中的鸟儿飞过的痕迹。用身体、语言、油画、注视、镜子、信件，火焰，用天上的星星，海里的波浪，潮湿的灵魂，温柔的吻，用一切的一切，记录你，留住你，然后，等待在新世界再次相遇。
胶片最高。太美了，只看截图都会给五星的诗意美片，每一帧都要命
葡萄牙散文诗电影，静缓情深，帧帧绝美。1.旁白文学性浓郁，声画或匹配或分离，构成复调视听综合体，画面则以对静物的贴近凝视或对自然的写意呈现为主，清一色固定机位，为观者打开了新的感知视角。2.基调令人想及艾里斯[南方]，光影质感则似维米尔的油画。3.对镜子的新颖游戏式运用：手持镜子两端，身体完全隐藏在镜子背后，镜面反射出摄影机一侧的画外影像，在那段森林蒙太奇中，甚至起到了【拟态】作用，观众恍若被邀请来玩[大家来找茬]；虚化或遮挡一切的放大镜观看照片段落也颇具诗意。4.室内光影流变，太有感觉；少年吹一口气后渐次传来各色人声，犹如创世之息。5.油画，雕像，精致的动物摆件，微缩帆船，经年累月的邮票，剪掉人的照片。6.植物剪贴本，满满6盒贝壳，近百根孔雀羽毛，耳朵上的海马。7.母亲复活、变成树或鸟的臆想。（9.0/10）
可能是一连串，真正get到塔可夫斯基神髓的影像，让人想起《镜子》（不单单是因为确实出现了很多镜子，诚然也没有那么“激进”）。能用这种方式来结构家庭记忆，实在是比海南那个最佳纪录片《关于爱》高不知道几百万个等级。更可贵的是，导演并不耽于某种视觉奇观，而是在生活中发现事物，在事物中定格静谧，在静谧中升华出超验。this is not what we called documentary, this is true cinema. 大银幕上真的会美翻。
试图为观众展示出影像所具有的无限可能性。胶片呈现出的油画质感，拼贴成了一首影像的散文诗。家庭成员用极具文学性的独白将家庭史娓娓道来，稍不留神就陷进了回忆的漩涡。它是优美沉静的家庭记录，流露出的记忆质感干净清澈。物成了这些记忆的载体，象征着父亲的大海，与象征着母亲的森林，似乎永远有着隔阂，结尾时将树带入大海，两人终于在记忆中团聚。
#70th Berlinale#奇遇单元费比西奖。家族史的数据库与创意叙事、材料拼贴的复杂呈现。就像一个暑假的午后与父母长谈，翻出阁楼上尘封已久的记忆承载物；而祖父祖母的往事被叙述得童话一般，美丽又苦恼。影片真的晶莹剔透，宛如钻石一样，搁在洛迦诺鹿特丹一定是主竞赛级别。久违的感动。
完成度很高的essay film 怀疑导演副业是画画的 樱桃 干海马 石榴 大量的直线和圆形的镜子把每一帧构图都分割成黄金比例 加上复古又性冷淡的配色 颗粒感强得堪比侯麦 随便截图一帧都美得像十八世纪的油画 再加上诗歌旁白 前半部分真的被惊艳到 想给五星的冲动都有 可惜论文电影还是不要太长的好 一来很不容易消化 而且很容易变成新浪潮左岸杜拉斯那种的配乐诗朗诵 表演的缺失和从头到尾冰冷的旁白很大程度上削弱了要表达的感情 一成不变的节奏也很快把观众的热情和耐心消耗干净 导致一小时左右已经有人陆续离场 不过如果说我没看哭那肯定也是扯谎 实在是一场很美很私人的感情和体验 等再从湖水中浮上来时我已垂垂老矣而非少年 那年你和鸟儿一起走的 然而每年春天到来时 我想起的却是你 Berlinale2020
献给母亲的电影诗，画面极美，但私人化的记忆是否可以通过这样的方式传达给普罗大众？情感也许是个闭环，自己出不去，别人也进不来。
一边瞌睡一边看，船在海上，树在山中，静谧物语，语页呢喃，鹰化为鸠，鸠鸟入海，化而为蜃。维克多的南方渊面黑暗，维克多的蜂巢暗中有光，维克多的榅桲年华老去，杜拉斯的呓语最好无人能懂，伍尔芙的幽咽海浪最好催人入眠，一边打瞌睡一边看，船在海上，树在船中…
完成度无可指摘。但从创作者的角度来看，其实是一部偷懒且狡猾的电影。年轻导演有意规避自己写作人物和构建剧本可能有的风险和欠缺，且确信以自身对影像和诗意旁白的掌控力足以保证电影的下限，这种心态再熟悉不过了。只是这类站在影史巨人（尤其是维克多艾里斯）留下的遗产安全区里的创作（《春江水暖》也属于同类），因为缺乏了一个真正的面向空白，从零到有的开拓过程，指向刻意铸成，也过分单一的美学终点（因此禁锢了观众），也丢失了发肤于表达欲必有的重量和活力。电影人们还是得更有向死而生的勇气啊。
一部沉静优美而不无悲伤的家庭影像记录，充满沉浸式的冥思与哲思，台词如诗般曼妙，胶片感如油画，每当看到这种几乎为大银幕定制的影片，就深感「电影」何曾死去的幸福。每个人均以独白切入家庭史，几乎无同框，言语无任何意义，声道的叠加是词汇的失序和表征的混乱（以各种语言称呼母/女）；于是书信成为另一种绵延时间的方式，是记忆的载体——海马耳饰是海马体的外象，烧信一幕令人泪目，这些被写下的字属于一对男女——恰好是我的父母。镜子成为大海（外）和植物/鸟类（内）的联结符号（各种构图太美），它吸收凝缩外部的波澜壮阔与动荡不安，以滋养内部生命的幽微与生生不息；母亲存在于后代基因序列里，她是照片上缺席父亲的贝特丽丝，是引领但丁游历天堂的女神，是我们这群幽灵攀援的大树枝干。
一部可视化的文学作品，声画关系完全调转，画面更多地承担了功能性作用，唯美动人。
非常特别的一部电影，像是后辈在翻一本家族相册，一边看一边从简单的影像中提取一些回忆或者人生感悟，虽然有些破碎，但看的时候一直有一种看《百年孤独》时的波澜壮阔。
诚然你可以用真实去讲述真实，也可以用各种现代和后现代方法来体现真实，甚至可以用虚假去比拟真实。但艺术终归是隶属于人血肉之躯的造物，因此以时间为度量衡的电影最要紧的就是必须在花样里落回真实。这个电影最大问题就是在不断的诗学化的语言和取景里，打碎了真实的整体性，只剩审美。所以不感人。太浅了。塔可夫斯基可不是这样的。也没有什么人的一生是不断在隐喻和自我沉溺中的，河流之下怎能一碧如洗呢？完全象征化的结果是面孔的空洞。那些炎热的，腐臭的，细碎的生活是托起诗情的基本衬里。但里面有几处比较感动我。包括一个女人尽全力抬起一棵倒下的树。以及结尾音乐是舒伯特D664第二乐章
#BerlinaleEncounter 相比于对影像丰富性和节奏游刃有余的驾驭，导演年轻的出奇。
这是一部完全依靠旁白来讲故事的影片，通过往来的书信和不断切换叙述者的心声来反溯家族历史。镜头捕捉了大量树木、海洋等意象，比喻父亲如海，母亲是树木，哺育了孩子们长大，成为翱翔的飞鸟。本片用很多篇幅描述了母亲离世后子女们悲痛的心情，但又觉得她并没有离开，仿佛存在于身边的任何地方。亲情绵长感人，但是不太喜欢这种表现形式，很多时间影像与旁白是分离的，让人觉得沉闷，有时候不明所以。导演更像是沉浸在自己的思维迷宫里絮絮叨叨，外人并不总能打破这层“壁”与其文本进行交流。